“林良忠”這個名字讀者們可能不太熟悉，但如果說起他拍攝過的作品大家肯定看過。他擔任過攝影的的作品有：李安導演家庭三部曲——《推手》、《喜宴》、《飲食男女》。《上海往事》、《我們天上見》、《驢得水》等。曾獲得過1991年金馬獎最佳攝影提名，第53屆圣塞巴斯蒂安國際電影節最佳攝影獎。林良忠拍攝了很多家庭故事，他的鏡頭樸實真實，擅長捕捉現實生活中細膩質感和氣息。很多如今的著名導演的處女作都是由他掌鏡，是電影攝影界“宗師”級別的前輩。

《推手》

電影世家

出生于臺中，從小生長在電影世家里，父親是著名的電影攝影師林贊庭。因為父親的原因林良忠在13歲開始就接觸電影，在父親的耳濡目染下開始對電影攝影產生濃厚的興趣。1985年考取美國紐約大學電影研究所，成為李安的學弟，后來一次在片場打工的機會讓兩人結識，后來兩個人成了好朋友，更進而合作了李安初期的父親三部曲—《推手》、《喜宴》，以及獲得美國獨立精神獎最佳攝影提名的《飲食男女》。林良忠生于臺灣也長于臺灣，但他的創作軌跡卻是從臺北到紐約、從上海到北京。在這個長期的創作過程中，林良忠漸漸成長與成熟，形成了一套對影像的獨特理解。

《喜宴》

創作理念

在影像的建立和創作過程中，他以文化為腳本,以故事為核心,從取景框的視野看待世界。林良忠擅長捕捉現實生活中獨特細膩的質感，在電影鏡頭里中還原生活的本質，他認為只有這樣電影才能貼近觀眾，讓觀眾找到生活中熟悉的味道。林良忠常說,拍電影就像做菜一樣。在他的影像中,廚房、餐廳、食物、烹飪,這些日常生活場景, 常常如同一場儀式般莊嚴。他把食物拍得特別美,食物中飽含愛的表達,情感的傳遞。那是一個豐富多彩、有情有義的世界 :蘿卜的潔白,辣椒的火紅,紅燒肉的汁液,豐滿如女人酮體般的鴨子,像花朵綻放的松鼠魚。飲食中有人倫親情,也有愛情欲望 ;有交織的愛恨,也有升級的沖突。烹飪本身包含文化、情感、習俗、記憶、責任、欲望。所謂“飲食男女,人之大欲存焉”。

《驢得水》

除了持續創作之外，林良忠也投入到教育行業，任教于臺南藝術大學和臺北藝術大學。在課堂上他建議年輕學員要去享受生活，去感受生活，還要去品嘗生活。攝影也是這樣的，需要去理解生活。有時候他看見學生打光把室內光線調得亮度很高，可是現實生活中沒有這么亮的室內光線，所以這些都是與生活息息相關的，攝影是用鏡頭還原生活，如果不了解生活怎么能夠還原生活呢？技術是次要的，沒有能力還原生活就不真實，不真實就不會感人。

攝影風格

視頻拍攝是一場光影的游戲，林良忠喜歡自然光效,能不用燈就不用燈，雖然現在先進的燈光器具能獲得非常精美戲劇性的畫面，但他認為這本身就破壞了電影的真實質感，而室外柔暖的太陽光, 室內從窗戶透過來的散射光,反而他的最愛。林良忠偏愛用膠卷視頻拍攝，他喜歡挑戰膠卷的極限，在暗光狀態下，膠卷依然能夠保持豐富的層次。他喜歡把情感高潮中人物的臉放在黑暗的陰影中,在膠片的極限和情感的極限中尋找對接點。

《驢得水》

《飲食男女》里其中的一場戲：當二女兒家倩知道了姐姐家珍的初戀男友根本不曾存在過的時候,她首先想到的是把這件事情告訴情人雷蒙,可是到了雷蒙家的門外,才知道雷蒙已經有了未婚妻,他的家已經成了禁地。她的臉在陰影當中,一個無家可歸的女人的臉——打擊,驚訝、錯愕、無助、傷心,這一切在黑暗中得以表達,同時尊嚴得以保全,情感得以釋放。林良忠認為,控制好膠片的臨界點很重要,“這樣拍是很大膽,但可以提升演員的表演,把人物的內心表現出來,同時也象征人物與人性的黑暗面——他既渴望光明,又躲到黑暗里去。”

《飲食男女》

更重要的是他認為用膠卷拍攝能鍛煉攝影和導演的準確性。現在因為是數碼時代，沒有膠片時代的那種片比概念，以前用膠片拍，時間控制是很嚴格的，人員成本也很高，所以要求導演、視頻拍攝人員以及演員都必須準確地完成走位和調度。現在很多新導演一個鏡頭動不動就要拍十幾遍，其實就是因為沒有把握準確演員的情緒和表演，他認為，即使放在現在，電影人也需要有一種特別敬業的“膠片精神”。

《驢得水》

林良忠回憶起年輕時他父親送他去美國拍戲臨行前對他講過的一段話“：拍第一部電影不要緊張，多看取景器多思考，等有把握了再開機。”這成為他一生受用的良言，到如今每次拍戲前他都會想起這句話。攝影師就要用攝影機去記錄、懷舊、表達文化、釋放情感,尋找無字的情感書寫，要用愛去感受攝影機的堅硬與沉重、生活的柔軟與輕盈。